こんにちは。ユアムーン株式会社 編集部です。
皆さんはフランク・ステラという人物をご存知ですか？
フランク・ステラ（Frank Stella）は、黒い縞模様の絵画で20代のうちに注目を集め、のちに分度器の形をした巨大なキャンバスや、壁から大きく飛び出す色鮮やかな立体へと作風を大きく変えていったアメリカの画家・彫刻家です。ミニマリズムや、ポスト・ペインタリー・アブストラクション（筆の跡を抑えた色面の抽象）を代表する作家の一人とされています。
絵画だけでなく、版画、劇場の装飾、野外の彫刻まで、60年以上にわたって仕事の幅を広げ続けました。そして2024年5月4日、ニューヨークで87歳で亡くなりました。
本記事ではそんなフランク・ステラの人生と作品についてご紹介します。代表作を一覧にした表も用意しましたので、作品を探すときの手がかりにしてください。
フランク・ステラって？
基本情報
| 名前 | フランク・ステラ（Frank Stella） |
| 生年月日（没年月日） | 1936年5月12日〜2024年5月4日（87歳） |
| 国籍・出身 | アメリカ／マサチューセッツ州モールデン |
| 学歴 | フィリップス・アカデミー（マサチューセッツ州アンドーヴァー）を経て、プリンストン大学で歴史を専攻（在学中も絵を描く） |
| 分野 | 絵画、レリーフ、彫刻、版画、劇場や公共空間のための仕事 |
| 傾向 | 縞模様の抽象画、四角形にとらわれない形のキャンバス（シェイプト・キャンバス）、のちに立体へ向かう「マキシマリスト」の絵画 |
| 師事した人物・影響を受けた人物 | 高校で画家パトリック・モーガンに絵を学び、プリンストン大学ではスティーヴン・グリーン、ウィリアム・サイツの両教授に才能を見いだされました。旗や標的を描いたジャスパー・ジョーンズの作品から大きな刺激を受けています |
| 主な受賞 | アメリカ国家芸術勲章（National Medal of Arts、2009年） |
フランク・ステラの代表作
フランク・ステラは、作品を「シリーズ（連作）」として制作した作家です。代表的なシリーズと、本記事で取り上げる作品を表にまとめました。
| 時期 | シリーズ | 本記事で紹介する作品（所蔵） |
|---|---|---|
| 1958〜60年 | ブラック・ペインティング | （図版なし） |
| 1960年 | アルミニウム・ペインティング、コッパー・ペインティング（初期の縞の絵画） | 『Six Mile Bottom』1960年（テート） |
| 1960年代前半 | 同心正方形などの縞の絵画 | 『Hyena Stomp』1962年（テート） |
| 1965〜67年 | イレギュラー・ポリゴン（不規則な多角形） | （図版なし） |
| 1967〜71年 | プロトラクター（分度器） | 『Harran II』1967年（グッゲンハイム美術館） |
| 1970年代 | レリーフの絵画 | 『Guadalupe Island, Caracara』1979年（テート） |
| 1980年代 | 金属板のレリーフ | 『Jarama II』1982年（ナショナル・ギャラリー・オブ・アート） |
| 1980年代半ば〜90年代半ば | 『白鯨』にもとづく作品群 | （版画などを本文で紹介） |
フランク・ステラと同じ時代のアメリカで活動した作家については、以下の記事でもご紹介しています。あわせてご覧ください。
経歴と作品
モールデンからプリンストンへ（1936年〜1958年）
フランク・ステラは1936年5月12日、アメリカ東部マサチューセッツ州のモールデンに生まれました。グッゲンハイム美術館の解説によれば、マサチューセッツ州アンドーヴァーのフィリップス・アカデミーで高校時代を過ごしたあと、プリンストン大学に進み、歴史を専攻しながら絵を描いていました。
ボストン・グローブ紙の訃報によれば、ステラはフィリップス・アカデミーで画家パトリック・モーガンに絵を学びました。同校のアディソン・ギャラリー・オブ・アメリカン・アートは、早くから抽象表現主義の作品を収集していた美術館で、ステラは後年、そこでジャクソン・ポロックやフランツ・クラインなど、ニューヨークで起きていたことをすべて見ることができたと振り返っています。のちにステラは、自作の多くと、ジャスパー・ジョーンズやドナルド・ジャッドらの作品を含む自身のコレクションを、このギャラリーに寄贈しました。
同じ訃報によれば、1950年代半ばに進んだプリンストン大学では、スティーヴン・グリーンとウィリアム・サイツの両教授がステラの才能を見いだし、たびたびマンハッタンの画廊へ連れて行きました。そこで見たジャスパー・ジョーンズの作品、つまり旗や標的といった身近な形の単純な幾何学にもとづく絵画が、主流とは別のやり方で描く道をステラに示したといいます。グッゲンハイム美術館の解説も、学生時代にニューヨークの画廊を訪ねたことが制作に影響を与えたと書いています。1958年に大学を卒業すると、ステラはニューヨークへ移りました。
当時のニューヨークでは、絵の具を激しく画面にぶつける抽象表現主義の画家たちが大きな存在感を持っていました。抽象表現主義は、画家の身ぶりや感情を画面に残すことを重んじた絵画の流れです。20代前半のステラは、その正反対ともいえる、感情を排した絵画で頭角を現すことになります。
黒い縞の「ブラック・ペインティング」（1958年〜1960年）
グッゲンハイム美術館は『Harran II』の解説で、ステラが1950年代の終わりから1960年代の初めに、塗られていないキャンバスの細い線で区切られた黒い縞の、一見とても単純な絵画によって、抽象表現主義の支配を打ち破ったと書いています。これが「ブラック・ペインティング」（1958〜60年）です。
AP通信によれば、ステラは23歳までに、家庭用の塗料と塗られていないキャンバスを使った平らな黒い絵画のシリーズを完成させ、批評家から広く称賛されました。画面には、筆の勢いや感情を感じさせる跡がほとんどありません。同じ幅の黒い帯が、決まった規則に従って画面を埋めていくだけです。同館の解説は、ブラック・ペインティングが「制御」と「合理性」を重んじ、抽象絵画に新しい道を開いて、1960年代の美術に大きな影響を与えたと説明しています。
評価は早く訪れました。グッゲンハイム美術館の解説によれば、1959年にはオバリン大学のアレン記念美術館での「Three Young Americans」展と、ニューヨーク近代美術館（MoMA）の「Sixteen Americans」展（1959〜60年）に作品が出品され、同じ年に画商レオ・カステリの画廊に所属しています。同館は、ステラの芸術が25歳になる前にその革新性を認められたと書いています。
ボストン・グローブ紙の訃報によれば、「Sixteen Americans」展には4点のブラック・ペインティングが選ばれ、MoMAはそのうち『The Marriage of Reason and Squalor, II』（1959年）をすぐに購入しました。同じ訃報は、感情そのものを描くことを掲げた抽象表現主義の世代に対して、ステラが「絵画とは絵の具の載った平らな面である」「見えるものが、見えるものだ（What you see is what you see）」と答えたことを紹介しています。この言葉は、ステラの絵画の考え方を最も短く表したものとして、今もよく引かれます。
この時期のステラには、同時代の作家との意外な接点もあります。ナショナル・ギャラリー・オブ・アートの記録によれば、草間彌生が1960年に描いた網目の絵画『Infinity Nets Yellow』を、同じ年にステラが購入しています。同館はこの絵を2002年に購入しました。
アルミニウム、銅、そして変形するキャンバス（1960年〜1962年）
グッゲンハイム美術館の解説によれば、ステラはブラック・ペインティングに続いて、アルミニウム・ペインティング（1960年）、コッパー・ペインティング（1960〜61年）を制作しました。これらの初期のシリーズでステラは、奥行きを錯覚させる空間を捨てて平らな画面そのものの物質感を前に出し、伝統的な長方形のキャンバスからも離れていきます。
長方形ではない形のキャンバスは「シェイプト・キャンバス（変形キャンバス）」と呼ばれます。画面の縞が外形をなぞり、外形が縞の配置を決める。絵の中身と絵の形が一体になっていることが、この時期のステラの絵画の大きな特徴です。
『Six Mile Bottom』（1960年）
テートが所蔵する『Six Mile Bottom』は、縦300cm、横182.2cmの縦長の大きな作品です。テートの記録では、素材はキャンバスにアルキド塗料です。縦に走る淡い灰色の細い帯が、画面の中央に近づくにつれて段を刻むように内側へ折れ曲がり、中央には小さな黒い長方形があります。画面の左右の縁の上下には、長方形の切り欠きが入っています。
縞の一本一本は、塗られていないキャンバスの細い線で区切られています。ブラック・ペインティングと同じ規則を保ちながら、色を淡い灰色に変え、縞の折れ曲がりによって画面に動きを与えた作品です。近くで見ると縞の境目がはっきりと見え、離れると画面全体が一つの模様として立ち上がってきます。
『Hyena Stomp』（1962年）
テートが所蔵する『Hyena Stomp』は、縦横195.6cmの正方形のキャンバスに、アルキド塗料で描かれた作品です。テートは1965年にこの作品を購入しました。
画面には、中心へ向かって小さくなっていく同心の正方形が描かれています。赤、オレンジ、黄、緑、青の帯が一周ごとに色を変えながら中央へ進み、四隅から中心へ向かう対角線が、帯の折れ目を一本の線につないでいます。色の並びは規則的に見えますが、隣り合う色の組み合わせが場所ごとに違うため、見ているうちに正方形が渦を巻くようにも、奥へ吸い込まれるようにも見えてきます。黒やアルミニウムの単色だった縞が、ここで多色へと開かれたことがわかります。
変形キャンバスから「分度器」へ（1965年〜1971年）
グッゲンハイム美術館の解説によれば、ステラは1965〜67年の「イレギュラー・ポリゴン（不規則な多角形）」と、1967〜71年の「プロトラクター」のシリーズで、シェイプト・キャンバスの考え方をさらに押し広げました。イレギュラー・ポリゴンは、不規則な幾何学形のキャンバスに、大きく区切られた色面を組み合わせたシリーズです。
同館の『Harran II』の解説は、この新しい語彙がより開放的で色彩を重んじる絵画の言葉へと育つにつれて、作品の大きさも建築に近い規模へと変わり、ステラが画面に曲線を取り入れたことがプロトラクター・シリーズの始まりだったと説明しています。
『Harran II』（1967年）
グッゲンハイム美術館が所蔵する『Harran II』は、縦304.8cm、横609.6cmにおよぶ横長の巨大な作品です。素材はキャンバスにポリマー塗料と蛍光ポリマー塗料です。正方形の区画と、半円や四分円の形が組み合わさり、その中を何重もの弧を描く色の帯が満たしています。紫、緑、オレンジ、ピンク、青といった鮮やかな色が並び、蛍光色の帯は光を放つように見えます。
プロトラクターとは、角度を測ったり描いたりするための半円形の製図用具、つまり分度器のことです。同館の解説によれば、このシリーズの題名の多くは小アジアの古代都市の名前から取られ、題名の後ろのローマ数字は、画面の模様が「インターレース（組み紐）」「レインボー（虹）」「ファン（扇）」の3つの型のどれにあたるかを示しています。
同じ解説は、このシリーズの円や曲線の形が、実は直角に交わる水平線と垂直線の組み合わせで決められていること、そしてアクリルと蛍光顔料を組み合わせたほとんどサイケデリックな色彩によって、ステラが抽象絵画と装飾的な模様の絵画を一つに重ね合わせたことを指摘しています。
舞台美術と版画、そして最初の大回顧展（1960年代後半〜1970年）
グッゲンハイム美術館の解説によれば、ステラは1960年代半ばから版画にも本格的に取り組み、最初は版画工房ジェミナイG.E.L.で、刷り師のケネス・タイラーと組んで制作しました。1967年には、振付家マース・カニングハムのダンス作品『Scramble』の舞台装置と衣装をデザインしています。グッゲンハイム美術館には、同心の正方形を描いた『Gray Scramble』（1968〜69年）も所蔵されています。
1970年には、MoMAでステラの回顧展が開かれました。アメリカの全米芸術基金（NEA）は、ステラが1970年に、それまでで最も若く回顧展を開いた作家となり、MoMAで2度の回顧展を開いた存命のアメリカ人作家はステラだけだと紹介しています。30代の前半で、すでに美術館がその仕事の全体を振り返る対象になっていたことになります。ボストン・グローブ紙の訃報によれば、MoMAは17年後の1987年にも、再びステラの回顧展を開いています。
壁から飛び出す「マキシマリスト」の絵画（1970年代）
グッゲンハイム美術館の解説によれば、1970年代のステラは作品にレリーフ（浮き彫り）を取り入れ、その彫刻的な性質から、自らの作品を「マキシマリスト」の絵画と呼ぶようになりました。かつて自分を有名にした1960年以前の絵画が奥行きを徹底して取り除いていたことを考えると、皮肉な展開だったと同館は書いています。
ステラは1970〜73年の連作で木などの素材を使った高いレリーフに取り組み、その後はアルミニウムを作品の主な支持体にしていきます。1970年代から80年代にかけて作品はより複雑で華やかになり、同館の言葉を借りれば、かつてのミニマリズムは、曲線、蛍光色、走り書きのような筆づかいに彩られた「バロック」へと変わっていきました。1973年には、ニューヨークの自宅に版画のための工房を設けています。
ボストン・グローブ紙の訃報は、1970年代の終わりの「インディアン・バード」のシリーズを、ステラが絵画の二次元性そのものに逆らいはじめた転換点として挙げています。アルミニウムを切り抜いた形に色鮮やかなラッカーを重ね、一部の形が画面から飛び出す作品で、ステラは絵画と彫刻の中間のような作品をつくりはじめました。同じ訃報は、ステラが「彫刻とは、切り抜いてどこかに立てた絵画にすぎない」と、いつもの淡々とした口ぶりで語ったことも伝えています。
『Guadalupe Island, Caracara』（1979年）
テートが所蔵する『Guadalupe Island, Caracara』は、縦238.1cm、横307.3cm、奥行き45.7cmの、壁から大きく張り出す作品です。テートの記録によれば、素材はアルミニウムのハニカムパネルに、ラッカー、シルクスクリーンのインク、アクリル塗料、ビーズ、クレヨン、ガラス、アルミニウムのグリッター、樹脂を重ねたものです。テートは1980年にこの作品を購入しました。
赤い線で縁取られた波のような形の上に、雲形定規のような曲線の板、細長い帯、きらめくグリッターの帯が重なり合っています。ピンク、水色、緑、オレンジの色面に、走り書きのような線が勢いよく引かれ、1960年代の整然とした縞とはまるで別人の作品のように見えます。それでも、色や形を一つの面の上で組み立てるという点では、黒い縞の絵画からつながる仕事でもあります。
ハーバードでの講義（1983年〜1984年）
グッゲンハイム美術館の解説によれば、ステラは1983〜84年に、ハーバード大学から招かれてチャールズ・エリオット・ノートン講義を行いました。ノートン講義は、芸術の分野の第一人者を招いて行われる連続講義です。
ステラはこの6回の講義で、バロック絵画のような奥行きを取り戻すことによって抽象絵画を若返らせることを呼びかけました。講義の内容は、1986年にハーバード大学出版局から刊行されています。作品で起きていた変化を、ステラ自身が言葉で説明しようとした仕事だといえます。
金属のレリーフと『白鯨』の連作（1980年代〜1990年代半ば）
『Jarama II』（1982年）
ナショナル・ギャラリー・オブ・アートが所蔵する『Jarama II』は、縦319.9cm、横253.9cm、奥行き62.8cmの、壁に掛ける大型の作品です。同館の記録では、素材は「エッチングを施したマグネシウムにミクストメディア」です。
蛇のようにうねる緑の帯や、四角や角張った形の板が何層にも重なり、その表面を赤、黄、緑、青、オレンジの模様が埋め尽くしています。板には楕円形や四角形の穴が開けられ、奥の層が透けて見えます。もはや「キャンバスに描かれた絵」とは呼びにくい、絵画と彫刻の境目にある作品です。
グッゲンハイム美術館の解説によれば、1980年代半ばから90年代半ばにかけて、ステラはハーマン・メルヴィルの小説『白鯨』に広く応える大きな作品群をつくりました。この時期、レリーフはさらに深くなり、やがて完全な立体へと移っていきます。円錐、柱、雲形定規、波、建築の装飾要素から取られた立体的な形が使われました。
同じ解説は、こうした作品をつくるために、ステラがコラージュや模型をもとに、助手や工業用の金属切断機、デジタル技術の助けを借りて拡大し、つくり直していったと説明しています。ボストン・グローブ紙の訃報は、この『白鯨』の連作を1986年から1997年にかけての仕事としており、その頂点として、さまざまな版画の技法を使った長さ23フィート（約7メートル）の紙の作品『The Fountain』（1992年）を挙げています。同じ訃報は、この連作を、ステラがかつてその影響力を揺るがした抽象表現主義の世代への敬意の表明でもあったと書いています。テートには、この連作に関わる版画として、『The Cabin. Ahab and Starbuck』『The Fossil Whale』（ともに1991年）が所蔵されています。どちらも、刷り師ケネス・タイラーの工房であるタイラー・グラフィックスから2004年に寄贈されたものです。
劇場、野外彫刻、建築へ（1990年代〜2000年代）
グッゲンハイム美術館の解説によれば、ステラは1990年代に公共空間のための自立する彫刻や、建築のプロジェクトにも取り組みました。1992〜93年には、カナダのトロントにあるプリンセス・オブ・ウェールズ劇場の装飾の全体を手がけ、そこには約1万平方フィート（約930平方メートル）の壁画も含まれています。
1993年にドイツのドレスデンのために提案した美術館と庭園の計画は、実現しませんでした。一方で、ブラジルの折りたたみ帽子から着想を得たアルミニウムの野外音楽堂が、1999年にマイアミの中心部に建てられています。2001年には、ワシントンD.C.のナショナル・ギャラリー・オブ・アートの屋外に、ステラの記念碑的な彫刻が設置されました。ボストン・グローブ紙によれば、ステンレス鋼、アルミニウム、ガラス繊維、炭素繊維でできた巨大な抽象彫刻『Prinz Friedrich von Homburg, Ein Schauspiel, 3X』です。
故郷とのつながりも、晩年まで続きました。同じ訃報によれば、2019年には、プロトラクター・シリーズの代表作の一つ『Damascus Gate (Stretch Variation I)』（1970年）が、ボストンのシーポート地区の建物の外壁に再現されました。同じ年、出身地モールデンの高校の外壁にも、ステラが提供したデザインにもとづく壁画が設置されています。
キャンバスの上で縞の形と外形を一致させていた画家は、40年あまりをかけて、劇場の空間や街の広場まで扱う作家になりました。作品の大きさが建築に近づいていくという変化は、グッゲンハイム美術館がプロトラクター・シリーズについて指摘していた方向の、先にあるものだと見ることもできます。
晩年と評価（2009年〜2024年）
全米芸術基金によれば、ステラは2009年度のアメリカ国家芸術勲章（National Medal of Arts）を受け、2010年2月25日、ホワイトハウスでバラク・オバマ大統領から勲章を授与されました。同基金は、ステラの作品が絵画、版画、彫刻、建築の境界を越え、50年にわたる経歴のなかでシリーズを重ねるごとに自らを作り変えてきたと紹介しています。
2015年10月30日から2016年2月7日にかけては、ニューヨークのホイットニー美術館で「Frank Stella: A Retrospective」が開かれました。同館とテキサス州のフォートワース近代美術館が共同で企画した展覧会で、1950年代半ばから当時までの絵画、レリーフ、模型、彫刻、ドローイングなど約100点で、その時点で最も包括的にステラの仕事を紹介しました。
フランク・ステラは2024年5月4日、ニューヨーク・マンハッタンの自宅で亡くなりました。87歳でした。AP通信は、ステラを、ミニマリズムとポスト・ペインタリー・アブストラクションの画期をなした画家・彫刻家・版画家として伝えています。
まとめ
いかがだったでしょうか。フランク・ステラは、1936年にマサチューセッツ州モールデンに生まれ、プリンストン大学を卒業した1958年にニューヨークへ移り、黒い縞の「ブラック・ペインティング」で20代のうちに注目を集めた画家です。アルミニウムや銅の絵画、シェイプト・キャンバス、分度器の形の『Harran II』へと進み、1970年には30代でMoMAの回顧展を開きました。
1970年代からは壁から飛び出すレリーフへ、1980年代半ばからは『白鯨』にもとづく立体の作品群へ、さらに劇場や野外の彫刻へと、仕事の大きさも素材も大きく変わっていきました。2024年5月4日に87歳で亡くなるまで、ステラは「絵画とは何か」という問いに、シリーズを重ねるたびに違う答えを出し続けた作家だといえます。美術館で作品の前に立ったときは、色や模様だけでなく、キャンバスや板の「形」と「厚み」にも目を向けてみてください。
Euphoric " " の視点
ステラは23歳までに、家庭用の塗料と塗られていないキャンバスで黒い縞の絵画のシリーズを完成させ、早くから評価を得ました。それでも同じ形式にはとどまらず、変形キャンバス、分度器の形、壁から張り出すレリーフ、金属の立体、そして劇場や野外の彫刻へと、仕事の幅を広げ続けています。
1983〜84年のハーバードでの講義では、バロック絵画のような奥行きを取り戻すことで、抽象絵画を若返らせようと呼びかけました。若くして得た成功の形にとどまらず、問いを更新し続けたことが、60年以上の仕事を支えたのだと考えます。
評価された方法から一歩踏み出すことは、表現を長く続けるための大切な力なのかもしれません。
この作品を見に行くには
記事で紹介した作品は、次の館などで公開されています。展示替えがあるため、最新の情報は公式サイトをご確認ください。2026年10月時点で、各館の作品ページには展示中と表示されていない作品もあります。
